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The paintings of plastic fruit belong, in some sense, to a tradition of still life, but the fruit is not treated primarily as a subject to be represented. Instead, it acts as a perceptual trigger: a form through which colour, surface, material, and visual intensity become activated.
What interests me is the residue of perception—what remains when the recognisable object is no longer the primary concern. The fruit provides an initial structure, but its identity gradually dissolves into the pressure it generates: the vibration between adjacent hues, the resistance of the surface, the density of wax and oil, and the unstable relation between figure and ground.
The actions performed on the painting are not simply stylistic decisions. Scraping back, reapplying wax and oil, intensifying colour relationships, and pushing the chromatic field towards greater drama are responses to the demands of the surface. Each intervention tests what the painting can sustain. These actions do not simply produce an image; they activate perception within the material field.
The artificiality of the fruit is central to this process. It imitates the appearance of organic fruit while remaining unmistakably manufactured. This ambiguity allows the motif to hover between object and image, reality and simulation, recognition and abstraction. The fruit is not important as a thing. It is important because it initiates a perceptual event that exceeds its descriptive identity.
I use apeiron—the Greek idea of the unlimited, the indefinite, or the inexhaustible—to describe the open-ended relation between motif and praxis. The plastic fruit initiates the painting, while the actions performed upon it transform its recognisable identity. Each decision produces another possibility: a new colour relation, a different surface, or a further tension between recognition and dissolution.
As the motif disappears, it does not simply cease to exist. It remains as a pressure within the surface—a residue of the relation between what was seen and what was done. In the finished painting, motif and praxis can no longer be separated.
The painting does not seek to preserve the fruit as a visible subject, nor to transform it into another kind of image. Instead, it seeks to release the perceptual and material forces that the motif sets in motion. Hue becomes less descriptive and more forceful; the mark becomes less explanatory and more physical; the surface becomes an active participant rather than a support for representation.
What remains is not an afterimage of the fruit itself, but the pressure produced by its colours, contours, material presence, and dissolution. The aim is not to represent scintillation as an image, but to produce it as a sensorial and visual experience. Scintillation occurs at the point where recognition begins to break down and perception becomes aware of itself.
This pursuit belongs to a longer history of painting concerned with making perception active rather than simply reproducing the appearance of the world. Paul Cézanne is an important precedent in this regard. His work can be understood as an attempt to generate a visual experience in which colour, form, and perception remain inseparable. My interest lies less in Cézanne as a stylistic precedent than in this underlying ambition: to make seeing itself part of what the painting produces.
Untitled, 14 × 18 cm is therefore not simply a still life of plastic fruit. It is a small perceptual field in which motif and praxis become inseparable, and in which the object dissolves into colour, material, and the inexhaustible potential of seeing.
プラスチックの果物を描いた絵画は、ある意味では静物画の伝統に属しています。しかし、そこにある果物は、表象すべき主題として扱われているわけではありません。それはむしろ知覚を作動させる「契機」として働きます。色、表面、素材、そして視覚的強度が立ち上がるための形態として機能するのです。
私が関心を寄せているのは、知覚の残余——つまり、可識的な対象がもはや中心ではなくなったときに何が残るのかということです。果物は初期的な構造を与えますが、そのアイデンティティは徐々に解体し、隣り合う色彩の振動、表面の抵抗、ワックスと油の密度、そしてフィギュアとグラウンドの不安定な関係といった「圧力」へと変質していきます。
絵画に施される行為は、単なる様式的な判断ではありません。削り取り、ワックスや油を塗り重ね、色彩関係を強め、色の場をより劇的な方向へ押し進めることは、すべて表面が要求することへの応答です。各介入は、絵画がどこまで耐えられるかを試す行為でもあります。これらの行為は単にイメージを生成するのではなく、素材の場において知覚そのものを作動させます。
果物の人工性は、このプロセスにおいて重要な役割を果たします。それは有機的な果物の外観を模倣しながらも、明らかに人工物としての性質を保っています。この曖昧さによって、モチーフは物体とイメージ、現実とシミュレーション、認識と抽象のあいだに漂うことが可能になります。果物は「物」として重要なのではありません。それが記述的なアイデンティティを超える知覚的な出来事を開始するからこそ重要なのです。
私はこの開かれた関係性——モチーフと実践のあいだに生じる尽きることのない連関——を説明するために、ギリシャ語の apeiron（無限定・無限・尽きることのないもの）という概念を用いています。プラスチックの果物は絵画を開始し、そこに施される行為がその可識的なアイデンティティを変容させていきます。ひとつの判断はつねに別の可能性を生み出します。新たな色彩関係、異なる表面、そして認識と解体のあいだのさらなる緊張が生まれるのです。
モチーフが消えていくとき、それは単に消失するわけではありません。それは表面の内部に「圧力」として残り続けます——見えたものと行われたことの関係の残余として。完成した絵画において、モチーフと実践はもはや分離できません。
この絵画は、果物を可視的な主題として保持しようとするものでも、別のイメージへと変換しようとするものでもありません。むしろ、モチーフが作動させる知覚的・物質的な力を解き放つことを目指しています。色相は記述性を離れ、より力動的になり、筆触は説明性を離れ、より物質的になり、表面は表象の支持体ではなく、能動的な参与者となります。
残るのは果物そのものの残像ではなく、その色彩、輪郭、素材的存在、そして解体が生み出す「圧力」です。目指しているのは、きらめきをイメージとして表すことではなく、それを感覚的・視覚的経験として生成することです。きらめきは、認識が崩れ始め、知覚が自らの働きを意識し始める地点で生じます。
この探求は、世界の外観を再現するのではなく、知覚を能動化することを目指してきた絵画の長い歴史に属しています。ポール・セザンヌはその重要な先例です。彼の作品は、色、形、知覚が分かちがたく結びついた視覚経験を生成しようとする試みとして理解できます。私の関心は、セザンヌを様式的な先例として見ることではなく、この根底にある志向——見ることそのものを絵画が生み出す経験の一部にするという志向——にあります。
『Untitled, 14 × 18 cm』は、したがって単なるプラスチックの果物の静物画ではありません。それは、モチーフと実践が不可分となり、対象が色彩、素材、そして見ることの尽きることのない可能性へと解体していく、小さな知覚の場なのです。
