When I draw a self-portrait, the motif does not enter my perception as a complete and stable image. It arrives in delay, appearing through a succession of linear fragments: edges, angles, tonal boundaries, directional vectors and small relational shifts. Although the digital photograph presents the face as a whole, my experience of looking at it while drawing is not whole in the same way. The face seems to enter perception through successive slices, each momentarily becoming present before another takes its place. The act of drawing becomes a form of tracking this movement — following what emerges rather than simply reproducing what is already there.
At other moments, however, perception behaves differently. There is no sequence of fragments but an inundation. A strong illumination across the skin can produce a sudden flood of colour that seems to plunge into the retina like a wave. Colour is no longer encountered as an identifiable property of the face but as an intensity — a saturation, an almost physical event. The illuminated skin becomes less a collection of surfaces than a chromatic force entering perception.
These two conditions — the linear slice and the chromatic flood — coexist within Apeiron. They are not separate impressions that disappear once the eye has moved elsewhere. They remain active within the indeterminate field of perception, where sensations, memories, intensities and relations continue to interact. Apeiron is therefore not a storehouse of images but a living field of potential from which the next mark can emerge.
When drawing, the mark is produced somewhere within this field of competing and converging sensations. A particular tone, hue, pressure, indentation or direction of line cannot be understood simply as a decision to represent what is seen. It is a residue of the perceptual encounter itself — the consequence of looking, delaying, remembering, correcting and looking again.
The drawing therefore does not translate perception into an image. It reenacts the conditions through which perception becomes material. What appears on the paper is the residue of an event: the linear fragments, the chromatic inundations, the delays and intensities that have passed through perception and continue to act within Apeiron.
The self-portrait is consequently not simply an image of myself. It is the material trace of the event of seeing myself.
日本語訳（精密・学術的ニュアンスを保持）
ピーター・デイヴィッドソン — 自画像 2026 ペンとインク、色鉛筆 239g 水彩紙
自画像を描くとき、モチーフは完全で安定した像として私の知覚に入ってくるわけではない。遅延を伴って到来し、線的断片の連続として現れる──縁、角度、トーンの境界、方向性のベクトル、そして微細な関係のずれ。デジタル写真は顔をひとつの全体として提示するが、描いているときに私が経験する「見ること」はそのような全体性を持たない。顔は連続するスライスとして知覚に入り込み、それぞれが一瞬だけ現前し、次のものに置き換わっていく。描くという行為は、この動きを追跡すること──すでにそこにあるものを再現するのではなく、現れてくるものを辿ること──になる。
しかし、知覚がまったく異なる振る舞いを示す瞬間もある。断片の連続ではなく、浸水のような事態が起こる。肌に強い光が当たると、色彩が波のように網膜へと流れ込む「洪水」が生じることがある。色はもはや顔の属性として捉えられるのではなく、強度──ほとんど物理的な出来事として立ち現れる。照らされた肌は、複数の面の集合ではなく、知覚へと侵入する色彩的な力となる。
この二つの条件──線的スライスと色彩の洪水──はアペイロンの内部で共存している。それらは、視線が別の場所へ移ったからといって消えるわけではない。感覚、記憶、強度、関係が相互に作用し続ける不定形の知覚野の中で、なおも活動している。アペイロンは画像の保管庫ではなく、次の線が生まれる潜在性の生きた場である。
描くとき、線や色はこの競合し、収束し続ける感覚の場のどこかで生じる。特定のトーン、色相、筆圧、刻み、線の方向は、単に見えているものを表すための判断として理解することはできない。それは知覚的遭遇の残滓──見ること、遅らせること、記憶すること、修正すること、そして再び見ること──の結果である。
したがって、描画は知覚を画像へと翻訳するのではなく、知覚が物質化する条件を再演する。紙の上に現れるものは出来事の残滓である──線的断片、色彩の浸水、遅延、強度──それらが知覚を通過し、アペイロンの内部でなお作用し続ける痕跡である。
自画像は単なる「私自身の像」ではない。私が自分を見るという出来事の物質的痕跡なのである。
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