Matsukata Kojiro × Yamamura Tokutaro Bringing Rodin to Japan, Taking Gutai to the World

 

Studio note 

This drawing makes your description of Apeiron tangible: the figure is not simply represented but reconstructed through the instability of seeing. The dark masses, broken contours, exposed lines, and translucent washes suggest a perception still in motion—one that has not settled into a definitive image.

What is especially compelling is that the trace does not imitate the body; it records the transformation of seeing into form. Influence becomes an active force, reorganising anatomy, gesture, and material into a new aesthetic order. The figure emerges not as a fixed object but as the residue of a perceptual event.

Apeiron, in this sense, is neither the source nor the result alone. It is the generative field between them: where vision is altered, influence is absorbed and displaced, and a new form becomes possible.

The drawing does not illustrate Apeiron. It performs it.

National Museum of Art – Collection Dialogue

Matsukata Kojiro × Yamamura Tokutaro

Bringing Rodin to Japan, Taking Gutai to the World

Oct. 10 – Dec. 27, 2026, Hyogo Prefectural Museum of Art

This is a wonderful exhibition at the Hyogo Prefectural Museum of Art. It was not crowded, though a steady stream of visitors moved through the galleries, creating a calm and absorbing viewing experience. The show brings together outstanding works by Monet, Gauguin, Rodin, and Gutai artists—an extraordinary collection shaped by the vision of Matsukata Kojiro and Yamamura Tokutaro.

Exhibitions such as this demonstrate what thoughtful curatorial work can achieve. There is much to learn not only from the artworks themselves, but also from the generosity and foresight of the two businessmen who made these collections possible. I was particularly struck by Matsukata’s commitment. Using the resources and independence afforded by his own commercial success, he collected according to his own eye and intuition—and the result shows.

Rodin’s approach to drawing came strongly to mind while viewing the exhibition, especially in the presence of so many of his original works. As he once said:

“Not once, as I described the form of that mass, did I take my eyes off the model… Not for an instant did I think about the technical problem of its depiction on paper, which might have hindered the impulse of my intuition from my eye to my hand. As soon as my eye rests on the paper, this impulse comes to a stop… My aim is to test the extent to which my hands already feel what my eyes see.”

— A. M. Ludovici, Personal Reminiscences of Auguste Rodin (1926), pp. 138–13

This account of Rodin’s perceptual discipline adds a further layer to the experience of seeing his work within the broader collection.

The drawings from the Fenaille Album (c. 1897) are especially compelling in relation to delay and imagination. For these studies connected with The Gates of Hell, Rodin did not work directly from a model. He drew from memory, intuition, and the residual force of earlier perception. Although these images emerged from imagination, their forms carry a structural delay that can be traced to Rodin’s long engagement with Michelangelo’s sculpture. Michelangelo’s figures were not simply quoted; they were internalised, becoming part of Rodin’s own perceptual field and reactivated in the act of drawing.

These imaginative studies and Rodin’s later blind drawings share a common perceptual logic. In the latter, as described in Ludovici’s Personal Reminiscences, Rodin kept his eyes on the model and did not look at the paper, allowing sensation to pass from eye to hand. Yet even this apparently immediate perception was not raw or unmediated. Sensation entered Apeiron—the open field of experience prior to fixed objecthood—already shaped by memory, imagination, and prior study. Rodin then reconfigured these transformed sensations into drawn traces.

Rodin’s drawings therefore reveal that perception is never simply received before action. It is already altered in the very process through which it becomes action. Looking, remembering, imagining, and making remain inseparable.

On the way to the Hyogo Prefectural Museum of Art, I also saw Uemae Chiyu: Jigadō at BB Plaza Museum in Kobe. Uemae was another Gutai member, whom I had met many years ago at Shimada Gallery in Kobe. It was moving to see his works on display again. I will write about this exhibition in my next blog post, in relation to the present exhibition.

スタジオノート

このドローイングは、あなたが述べてきたアペイロンの概念を具体的に示している。人物は単に再現されているのではなく、見ることの不安定さを通して再構成されている。濃い陰影、途切れた輪郭、露出した線、そして半透明のウォッシュは、まだ確定した像へと落ち着いていない「動き続ける知覚」を示唆している。

特に興味深いのは、この痕跡が身体を模倣していない点である。それは「見ることが形になる」変換過程そのものを記録している。影響は受動的なものではなく、解剖学、ジェスチャー、素材を再編成し、新たな美的秩序を生み出す能動的な力となる。人物は固定された対象として現れるのではなく、知覚的出来事の残滓として立ち上がる。

この意味でアペイロンは、単なる源でも結果でもない。その両者の「あいだ」に生じる生成的な場である。視覚が変容し、影響が吸収され、ずらされ、新たな形態が可能になる場である。

このドローイングはアペイロンを説明しているのではない。アペイロンを「実演」している。

国立国際美術館 — コレクション・ダイアローグ

松方幸次郎 × 山村徳太郎 ロダンを日本へ、具体を世界へ 2026年10月10日（土）〜12月27日（日） 兵庫県立美術館

兵庫県立美術館で開催されているこの展覧会は本当に素晴らしい。混雑はしておらず、ゆるやかな来館者の流れがあり、静かで没入的な鑑賞体験を生み出していた。展示にはモネ、ゴーギャン、ロダン、そして具体の優れた作品が並び、松方幸次郎と山村徳太郎という二人の実業家の卓越した眼によって形成された、非常に魅力的なコレクションが紹介されている。

このような展覧会は、優れたキュレーションが何を可能にするかを示している。作品そのものから学ぶことはもちろんだが、このコレクションを実現させた二人の寛大さと先見性からも多くを学ぶことができる。特に松方の姿勢には深く心を動かされた。自身の事業によって得た自由と独立性を活かし、彼は自らの眼と直感に従って作品を収集した。その結果は展示全体に明確に表れている。

ロダンのドローイングの方法は、展示を見ながら強く思い起こされた。とりわけ多数のオリジナル作品が並ぶ空間では、その言葉が鮮明に響く。

「この形の輪郭を描いている間、私は一度もモデルから目を離さなかった……紙に描く技術的問題について一瞬たりとも考えなかった。目が紙に落ちた瞬間、この直感の衝動は止まってしまう……私の目的は、目が見ているものを手がどれほど感じ取っているかを試すことなのだ。」 — A.M. ルドヴィチ『ロダン回想録』（1926年）138–139頁

このロダンの知覚的規律は、展示作品をより深く理解するための重要な層を与えてくれる。

フェナイユ・アルバム（1897年頃）のドローイングは、遅延と想像力の観点から特に興味深い。『地獄の門』に関連するこれらの習作で、ロダンはモデルを直接見て描いていない。彼は記憶、直感、そして以前の知覚の残滓から描いている。これらのイメージは想像から生まれているが、その形態にはロダンが長年取り組んだミケランジェロの彫刻研究に由来する構造的な遅延が宿っている。ミケランジェロの人物像は単に引用されたのではなく、ロダンの知覚領域に深く内在化され、描く行為の中で再活性化されている。

これらの想像的習作と、後年の「盲目描画」は共通の知覚的論理を共有している。後者では、ルドヴィチの記述の通り、ロダンはモデルから目を離さず、紙を見ないまま描いた。感覚は目から手へと直接流れ込む。しかし、この「直接的」な知覚でさえ、決して生のままではない。感覚はアペイロン—固定された対象性に先立つ開かれた経験の場—へ入る時点ですでに記憶や想像、過去の学習によって形を変えている。ロダンはその変容した感覚を痕跡として再構成した。

ロダンのドローイングは、知覚が行為の前に単純に受け取られるものではないことを示している。知覚は行為へと変わる過程そのものの中で、すでに変容している。見ること、思い出すこと、想像すること、そして作ることは、分離できない。

 

Study of Paul Cézanne in his studio at Les Lauves, after a photograph by Émile Bernard. Original drawing and digital photograph by the author.

Peter Davidson - Pencil, coloured pencil, correction fluid on paper  20 cm h x 12 cm w 

 

Working From the Inside Out: Perception, Delay, and the Studio Praxis of Drawing

In the history of modern and contemporary art, many artists have explored perception, representation, and the instability of visual experience. Yet a smaller number have attempted to work from the inside out: not by representing perception from a distance, but by treating the perceptual field itself as the operative condition of making.

This essay distinguishes Marcel Duchamp’s conceptual use of “delay” from the studio-based perceptual method I have developed at Two Dogs Art Space Akashi, Japan. It also situates my practice within a modest but significant lineage of artists who have treated perception not simply as a subject, but as a medium.

Duchamp’s Delay: A Conceptual Strategy

Marcel Duchamp’s notion of “delay” is most closely associated with The Large Glass. In his notes, later gathered in The Green Box, Duchamp proposed that a “picture on glass” should be understood as a “delay in glass.” The phrase suspends the work’s status as a picture, object, or resolved image.

Duchamp’s delay is therefore not a method for slowing visual perception. It is a conceptual and linguistic strategy: a way of deferring interpretation and displacing the artwork from inherited categories of painting and representation. Its force lies in how it alters the viewer’s relation to the work, rather than in how it reorganises the artist’s perceptual process during the act of making.

This does not diminish its historical importance. Duchamp’s “delay” remains one of the most influential conceptual gestures in modern art. But it operates primarily on the side of the artwork: its title, framing, materials, and reception. It does not offer a practical procedure for attending to what happens between seeing and marking within the studio.

For this reason, I understand Duchamp’s delay as a conceptual interruption rather than a perceptual method. It opens an important question about the relation between art, vision, and meaning, but it does not itself enter the interior mechanics of drawing.

An Inside Lineage: Cézanne and Giacometti

A smaller lineage of artists has treated perception not merely as a theme to be depicted, but as the living condition from which a work emerges. Paul Cézanne and Alberto Giacometti are especially important here.

Cézanne opened the perceptual field by recognising that the motif is not fixed. In the act of looking, forms shift, relations alter, and the motif dissolves and reforms. His paintings do not simply illustrate this instability; they carry its pressure within their structure. Colour, contour, and spatial relation become means of holding experience as it changes.

Giacometti entered this perceptual interior in a particularly direct way. His drawings and sculptures record the difficulty of fixing a figure that continually escapes stable visual possession. The repeated lines, retracings, and attenuated forms suggest a practice in which no single visual certainty can be final. The figure appears as something pursued through looking, lost, and sought again.

Neither Cézanne nor Giacometti offers a fully formalised method in the sense proposed here. But both made perception central to the process of making. They did not merely depict the world as seen; they worked within the unstable field in which seeing occurs.

My Studio Method: Perceptual Delay

At Two Dogs Art Space Akashi, I have developed a studio praxis that gives this perceptual trajectory an explicit method. My research, the Davidson Hypothesis (t₀ → t₀ + D), begins from the practical fact that seeing and marking are never identical.

Between the initial registration of the motif and the artist’s inscription of it, perception is already being reorganised by attention, memory, prior marks, bodily orientation, and the resistance of materials.

Although the notation uses a temporal-looking form, I do not employ “time” as a conceptual category in my praxis. The interval is not a measurable pause or a duration. It is a structural delay: a perceptual reorganisation that occurs before perception becomes action.

I do not treat this displacement as an error to be corrected. I treat it as the material of drawing. Perceptual residue—revised contours, displaced relations, abandoned directions, and reorientations—remains visible on the paper. The drawing becomes a record of perception in motion: not an illustration of seeing, but a trace of the interval in which seeing becomes action.

Apeiron: The Open Perceptual Field

In my praxis, Apeiron names the unformed perceptual field within this delay. It does not refer to mysticism. It names the space in which perception has not yet settled into a fixed image or a final gesture.

In this specific studio-phenomenological sense, Apeiron describes the openness of the perceptual field before it is stabilised by inscription. It is the field in which sensation, memory, residue, bodily orientation, and material possibility coexist and act upon one another.

This method is not conceptual, symbolic, or primarily art-historical. It is practical, repeatable, and grounded in the physical realities of drawing. Its concern is not what perception means after the fact, but what happens within the interval between perception and action.

A Studio-Based Phenomenology

My studio praxis should not be presented as a scientific theory, nor does it claim neurological authority. It is better understood as a studio-based phenomenology: a disciplined attempt to observe and record what occurs within the act of drawing.

The essays and experiments I produce at Two Dogs Art Space Akashi form an open research notebook rather than a formal academic journal. Their value lies in their proximity to practice: they record knowledge gained through sustained attention to the perceptual interior.

The work asks a simple but demanding question: what becomes visible when the artist attends carefully to the gap between seeing and marking?

In this respect, my praxis does not begin from conceptual art, inherited art-historical frameworks, or external theory. It does not reject them, but it begins elsewhere: in the studio, before the motif, within the moving relation between eye, body, memory, material, and mark.

Conclusion

Duchamp’s “delay” remains an influential conceptual strategy, but it is not a perceptual method. It alters the status and reception of the artwork; it does not provide a procedure for working within the practical interval between seeing and drawing.

The more directly relevant lineage is smaller and grounded in studio practice. Cézanne opened the perceptual field. Giacometti entered its instability. My work extends this trajectory by making explicit a repeatable method for attending to the interval through which perception becomes inscription.

Two Dogs Art Space Akashi offers a distinctive site for this research. There, drawing becomes a record of perception reorganising itself through the act of making. The work is conducted with care, discipline, and respect for the complexity of human perception, contributing a distinct perspective to contemporary studio-based phenomenology

日本語訳

《レス・ローヴのアトリエにおけるポール・セザンヌの習作（エミール・ベルナールの写真による）》 作者による原画およびデジタル写真 ピーター・デイヴィッドソン 鉛筆、色鉛筆、修正液／紙　20cm × 12cm

内側から描くこと：知覚・遅延・ドローイングのスタジオ実践

近現代美術の歴史において、多くの作家が知覚、表象、視覚経験の不安定さを探究してきた。しかし、より少数の作家は、知覚を距離を置いて描くのではなく、知覚の場そのものを制作の条件として扱い、内側から働きかけようとしてきた。

本稿では、マルセル・デュシャンが用いた概念的な「遅延」と、私が日本・明石の Two Dogs Art Space で展開しているスタジオにおける知覚的方法を区別する。また、知覚を単なる主題ではなく「媒体」として扱ってきた控えめだが重要な系譜の中に、私自身の実践を位置づける。

デュシャンの遅延：概念的戦略

マルセル・デュシャンの「遅延」という概念は、もっとも『大ガラス』と結びついている。『グリーン・ボックス』に収められたノートで、デュシャンは「ガラス上の絵」を「ガラスにおける遅延」として理解すべきだと述べた。この言葉は、作品を絵画や物体、完成されたイメージとしての地位から一旦外す働きを持つ。

デュシャンの遅延は、視覚知覚を遅らせる方法ではない。それは概念的・言語的な操作であり、解釈を保留し、作品を既存の絵画的カテゴリーからずらすための戦略である。その力は、制作過程ではなく、作品の名称、枠組み、素材、そして鑑賞者との関係性に作用する。

これは歴史的意義を損なうものではない。デュシャンの「遅延」は、近代美術におけるもっとも影響力のある概念的ジェスチャーのひとつである。しかしそれは、制作の最中における「見ること」と「描くこと」のあいだで何が起きているのかを扱う実践的手続きではない。

この理由から、私はデュシャンの遅延を「概念的な中断」と理解している。それは、芸術・視覚・意味の関係について重要な問いを開くが、ドローイングの内部機構そのものには踏み込まない。

内側の系譜：セザンヌとジャコメッティ

知覚を単なるテーマではなく、作品が生まれる「生きた条件」として扱った作家は少ない。ポール・セザンヌとアルベルト・ジャコメッティは特に重要である。

セザンヌは、モチーフが固定されたものではないことを開示した。見る行為の中で形は揺れ、関係は変化し、モチーフは溶けて再形成される。彼の絵画はこの不安定さを説明するのではなく、その圧力を構造の内部に保持している。色、輪郭、空間関係は、変化し続ける経験を支える手段となる。

ジャコメッティはこの知覚の内部にさらに直接的に踏み込んだ。彼のドローイングや彫刻は、安定した視覚的把握から絶えず逃れ続ける対象を固定しようとする困難を記録している。反復線、引き直し、細長い形態は、どの視覚的確信も最終的なものになり得ない実践を示す。対象は、見つめることによって追われ、失われ、再び探し求められるものとして現れる。

セザンヌもジャコメッティも、ここで述べるような「方法」を完全に形式化したわけではない。しかし両者は、知覚を制作の中心に据えた。彼らは世界を「見えた通りに」描くのではなく、見ることが生じる不安定な場の内部で制作した。

私のスタジオ方法：知覚的遅延

Two Dogs Art Space Akashi において、私はこの知覚的な軌跡を明確な方法として展開している。私の研究である「デイヴィッドソン仮説（t₀ → t₀ + D）」は、見ることと描くことが決して同一ではないという実践的事実から始まる。

モチーフの初期的な登録から、紙への記述に至るまでのあいだで、知覚はすでに注意、記憶、既存の線、身体の向き、素材の抵抗によって再編成されている。

記号は時間のように見えるが、私は「時間」を概念カテゴリーとして用いていない。この間隔は測定可能な停止や持続ではない。それは構造的な遅延であり、知覚が行為へと変わる前に生じる再編成である。

私はこのずれを誤差として扱わない。それをドローイングの素材として扱う。知覚の残滓—修正された輪郭、ずれた関係、放棄された方向、再定位—は紙上に残る。ドローイングは、知覚が動き続ける記録となる。見ることの説明ではなく、見ることが行為へと変わる「間隔」の痕跡である。

アペイロン：開かれた知覚の場

私の実践において、アペイロンはこの遅延の内部にある未形成の知覚場を指す。神秘主義ではない。固定化される前の、開かれた知覚の場である。

このスタジオ・フェノメノロジーの文脈において、アペイロンは、感覚、記憶、残滓、身体の向き、素材的可能性が共存し、互いに作用し合う場を示す。

この方法は概念的でも象徴的でもなく、主に美術史的でもない。実践的で、反復可能で、ドローイングの物理的現実に根ざしている。関心は、知覚が事後的に何を意味するかではなく、知覚と行為のあいだで何が起きているかにある。

スタジオにおける現象学

私のスタジオ実践は科学理論として提示されるべきものではなく、神経学的権威を主張するものでもない。むしろ、スタジオにおける現象学として理解されるべきである。すなわち、ドローイングの行為の内部で何が起きているかを観察し、記録しようとする規律ある試みである。

Two Dogs Art Space Akashi で書かれるエッセイや実験は、学術誌ではなく開かれた研究ノートである。その価値は実践への近さにあり、知覚の内部への持続的な注意から得られた知識を記録している。

問いは単純だが要求が高い。見ることと描くことのあいだの「隙間」に注意を向けたとき、何が見えてくるのか。

この意味で、私の実践はコンセプチュアル・アートや既存の美術史的枠組み、外部理論から始まらない。それらを拒否するわけではないが、始点は別にある。スタジオで、モチーフの前で、眼・身体・記憶・素材・線が動的に関係し合う場の内部である。

結論

デュシャンの「遅延」は依然として影響力のある概念的戦略であるが、それは知覚的な方法ではない。作品の地位や受容を変化させるが、見ることと描くことのあいだの実践的な間隔に取り組む手続きではない。

より直接的に関係する系譜は、スタジオ実践に根ざした小さな流れである。セザンヌは知覚の場を開き、ジャコメッティはその不安定さに踏み込み、私は知覚が記述へと変わる間隔に注意を向ける反復可能な方法としてこの軌跡を拡張している。

Andrew Wyeth’s Cow: Perception, Delay, and Optic Spatial History

 

View from Abeno Harukas Museum 

now showing 

Andrew Wyeth’s Artworks

well worth going to see in Osaka  

Andrew Wyeth’s Prestudy for “Interior of Olson’s Barn” invites a familiar set of associations: the rural landscape of mid-coast Maine, the austerity of the barn interior, and the quiet presence of an animal within that space. These associations are part of the experience of looking at the drawing. Yet, for me, there is something else here that deserves attention. The drawing offers an opportunity to think about the passage from perception into drawn form.

The motif appears simple: a cow standing in the dim interior of a barn. But the longer I look, the less the drawing seems to be only a representation of an animal in a particular setting. The cow becomes a perceptual problem. How does something seen become something drawn? What happens between the encounter with a motif and the mark that eventually appears on paper?

What I call delay is not primarily the time between seeing and drawing. It is a spatial condition: an open field in which perception, bodily sensation, memory, residue, and material possibility coexist and act upon one another. In this field, the motif is never encountered as a completely neutral object. It is already entangled with what I call optic spatial history—the accumulated visual and spatial residues through which an act of seeing becomes a mark.

Looking at Wyeth’s drawing, I am struck by the energy of the pencil lines. They are uneven, sometimes colliding, and do not always settle into a single authoritative contour. Smudged passages move across the sheet, altering tone and mass. The cow seems to emerge and recede at the same time, caught between the recognition of an animal form and a field of visual sensations that remains unsettled.

I do not take these marks simply as evidence of haste or technical uncertainty. Rather, I see in them the possibility of a search. The drawing allows me to consider how a form might be approached, questioned, and approached again, without every mark being absorbed into a perfectly resolved image.

This does not mean that observation or likeness has been abandoned. The cow remains recognisable, and the barn remains present. But likeness is not the only thing that interests me here. The drawing also brings attention to the relationship between motif, perception, memory, and mark. A line is made. That line changes what can be seen. The changed perception calls for another line. The process becomes recursive.

In this sense, every line passes through optic spatial history. Whether a drawing begins with the direct observation of an external motif or with an internal, recursive field of sensation, the mark does not arise in a perceptual vacuum. It passes through prior seeing, bodily orientation, remembered spaces, the material surface, and the residue of earlier actions.

What differs from one drawing to another is the extent to which this process remains concealed beneath finish, convention, or likeness, or becomes visible as part of the image itself.

For me, Wyeth’s study offers a particularly compelling instance of the latter. The cow is present, but it is not simply depicted. The barn is present, but it is not merely a setting. Both become part of a process through which an image takes shape. The drawing invites me to remain with the instability of perception rather than treating it as something that must always be resolved.

This is where I find its particular force. The drawing does not need to be explained through sentiment or through a narrative about rural life. Its interest lies, for me, in the visible labour of looking: the ongoing exchange between eye, hand, memory, and material surface as a form is approached without ever being entirely given in advance.

Prestudy for “Interior of Olson’s Barn” is therefore more than a preparatory study of a barn interior in the sense that interests me here. It offers a way of thinking about perception becoming form. The cow is found, repeatedly, through delay.

And the drawing becomes, in my reading, more than a picture of a cow. It is also a record of perception travelling through optic spatial history towards an image that remains, even at its most resolved, unfinished.

アンドリュー・ワイエスの牛：知覚、遅延、そして光学的空間史

アンドリュー・ワイエスの《オルソン家の納屋の内部》のための習作は、しばしば中部メイン州の農村風景、納屋内部の質素さ、そしてその空間に静かに佇む動物といった、よく知られた連想を呼び起こす。これらの連想は、確かにこの素描を見る際の経験の一部である。しかし、私にとってこの作品には、別の側面が存在する。ここには、知覚が描かれた形へと移行する過程について考える契機がある。

モチーフは一見すると単純である。薄暗い納屋の内部に立つ一頭の牛。しかし、長く見つめるほど、この素描は単なる動物の描写ではなくなる。牛は知覚上の問題となる。見たものがどのようにして描かれたものになるのか。モチーフとの出会いから紙の上に現れる線までの間に、何が起きているのか。

私が「遅延」と呼ぶものは、単に見ることと描くことの時間的な隔たりではない。それは空間的な条件である。知覚、身体感覚、記憶、残滓、そして素材的可能性が互いに作用しながら共存する開かれた場である。この場において、モチーフは決して中立的な対象として出会われることはない。すでに私が「光学的空間史」と呼ぶもの──見る行為が線となるまでに通過する、蓄積された視覚的・空間的残滓──と絡み合っている。

ワイエスの素描を見ていると、鉛筆線のエネルギーに強く惹かれる。それらの線は不均一であり、時に衝突し、単一の確定的な輪郭に収まろうとしない。擦られたような部分が紙面を横断し、調子や量感を変化させる。牛は、動物としての認識と、未だ落ち着かない視覚的感覚の場とのあいだで、現れたり消えたりしているように見える。

私はこれらの線を、単なる急ぎや技術的な不確かさの証拠として受け取らない。むしろ、ここには「探求」の可能性があると考える。形がどのように接近され、問い直され、再び接近されるのか──その過程が、完全に解決されたイメージへと吸収されることなく、紙面に残されている。

これは、観察や類似性が放棄されたという意味ではない。牛は認識可能であり、納屋も存在している。しかし、私が興味を持つのは類似性だけではない。この素描は、モチーフ、知覚、記憶、そして線との関係に注意を向けさせる。一本の線が引かれる。その線は、見えるものを変化させる。変化した知覚は、次の線を要求する。過程は再帰的になる。

この意味で、すべての線は光学的空間史を通過する。素描が外部のモチーフの直接観察から始まる場合でも、内部の再帰的な感覚の場から始まる場合でも、線は知覚の真空から生じることはない。以前の視覚経験、身体の向き、記憶された空間、素材の表面、そして過去の行為の残滓を通過して現れる。

素描によって異なるのは、この過程が仕上げや慣習、類似性の下に隠されるのか、それともイメージそのものの一部として可視化されるのかという点である。

私にとって、ワイエスの習作は後者の特に魅力的な例である。牛は存在しているが、単に描かれているわけではない。納屋も存在しているが、単なる背景ではない。両者は、イメージが形を取っていく過程の一部となる。素描は、知覚の不安定さを常に解決すべきものとして扱うのではなく、その不安定さの中に留まるよう促している。

ここに、この素描の力を感じる。作品は感傷や農村生活の物語によって説明される必要はない。私にとっての興味は、見ることの労働──眼、手、記憶、素材の表面が相互に交換しながら、形が事前に与えられることなく接近されていく──その可視化にある。

《オルソン家の納屋の内部》のための習作は、ここで論じている意味において、単なる準備素描以上のものとなる。これは、知覚が形になる過程について考える方法を提供している。牛は、遅延を通して、繰り返し「見出される」。

そしてこの素描は、私の読みでは、牛の絵以上のものとなる。最も解決されている部分でさえ未完のまま残る、光学的空間史を通過しながらイメージへと向かう知覚の記録でもある。

Second-Hand Shop Teapot: Instability, Colour, and the Recursive Field of Apeiron

 

Peter Davidson - Second hand teapot

Pastel, pencil, coloured pencils on pastel paper

F4

(I took this image of the drawing with the afternoon studio sunlight hitting it) 

The second-hand shop teapot is a modest, everyday object, yet it became an immediate choice for this drawing. Colour has always been central to my selection of motifs—whether in a grand mannerist seascape, the Japanese countryside, a pedestrian street in rural Nishi-ku, Kobe, or the persistent hues of an old utensil. The scale or status of the subject matters less than the colours that first draw my attention. Colour initiates the praxis.

This teapot presented a particular intensity of local colour under afternoon light. But once the motif enters the process of drawing, perception is no longer passive looking. What I see is immediately shaped by memory, earlier studio encounters, and the marks already forming on the paper. I call this interval delay.

Delay is not simply a pause between seeing and making. It is the space in which sensation is altered before it becomes a mark. The teapot cannot pass unchanged from the eye to the paper. Memory, colour, pressure, and the physical condition of the surface all enter the act of looking.

Each mark responds to what is already there. A pastel stroke changes the colour beside it; a contour alters the shape it attempts to describe; a layer of fixative changes the tooth of the paper and creates new conditions for the next mark. The drawing develops through this exchange: I see, I mark, the mark changes what I see, and I see again.

Pastel dust, incidental specks, and the altered surface produced by fixative are not errors to be corrected. They become fresh stimuli for further looking and marking. The teapot remains recognisable, but its visual identity is continually reorganised by the accumulating residue of the process.

In this drawing, the vibrant yellow-green ground presses against the orange and yellow body of the teapot. Turquoise and pink strokes interrupt its contours, while the deep red strawberries establish a strong chromatic counterpoint across the centre. Dark charcoal and pencil lines attempt to bind the forms, even as the surrounding colours destabilise them. Colour is not used only to describe the ceramic object; it acts within the relational field between shapes.

I call the resulting optical intensity scintillation. It is the point at which colour, texture, contour, and accumulated marks begin to vibrate across the support. Scintillation is not decoration. It is the visible form of perceptual instability.

Knowing when to stop is part of the same process. I stop when the chromatic and spatial relationships across the paper have reached their fullest intensity—when another mark would collapse the structure rather than extend it. The decision is intuitive, but it is governed by the same close observation that began the first mark.

The teapot began as an ordinary second-hand object. The drawing became an investigation into how colour passes through perception, enters delay, and is repeatedly reorganised within Apeiron. What remains on the paper is a field of marks, residues, and chromatic tensions: a record of the encounter between the object and the act of drawing.

The motif initiates the praxis. Through the recursive process of making, instability becomes visible.

日本語訳

ピーター・デイヴィッドソン 中古店のティーポット パステル、鉛筆、色鉛筆／パステル紙 F4 （午後のスタジオの陽光が当たっている状態で撮影）

中古店で見つけたティーポットは、ごくありふれた日常の物ですが、この素描のモチーフとしては即座に選択の対象となりました。私にとってモチーフ選択の中心にあるのは常に「色」です──壮大なマニエリスム風の海景、日本の田園風景、神戸市西区の何気ない通り、あるいは古い道具に残るしつこい色味であっても、最初に私の注意を引くのは色です。モチーフの規模や格式よりも、色が実践を開始させるのです。

このティーポットは、午後の光の中で特有のローカルカラーの強度を示していました。しかし、モチーフが素描のプロセスに入った瞬間、知覚はもはや受動的な「見ること」ではなくなります。私が見るものは、記憶、これまでのスタジオでの経験、そして紙の上にすでに現れ始めている筆致によって即座に形づくられます。私はこの知覚が変容し始める区間を「遅延（delay）」と呼んでいます。

遅延は単なる「見ること」と「描くこと」の間の停止ではありません。感覚が筆致へと変わる前に変質する空間です。ティーポットは、眼から紙へとそのまま移行することはできません。記憶、色、圧力、紙の物理的条件──これらすべてが「見る」という行為に入り込んできます。

一つひとつの筆致は、すでに紙上に存在するものに応答します。パステルの一擦りは隣の色を変え、輪郭線は描こうとする形を変容させ、フィクサチーフの層は紙の目を変え、次の筆致の条件を作り出します。素描はこの交換の中で展開します──見る、描く、描かれたものが見ることを変え、また見る。

パステルの粉、偶発的な斑点、フィクサチーフによって変化した表面は、修正すべき誤りではありません。それらは新たな「見ること」と「描くこと」の刺激となります。ティーポットは認識可能な形を保ちながらも、その視覚的アイデンティティはプロセスの残滓によって絶えず再編成されていきます。

この素描では、鮮やかな黄緑の地がティーポットのオレンジと黄色の胴体に圧力をかけています。ターコイズやピンクの筆致が輪郭を中断し、中央の深い赤いイチゴが強い色彩的対位法を形成しています。濃い炭や鉛筆の線は形を束ねようとしますが、周囲の色はそれを不安定化させます。色は陶器を記述するためだけに使われているのではなく、形同士の関係の場で能動的に働いています。

私はこの光学的強度を「閃光（scintillation）」と呼んでいます。色、質感、輪郭、蓄積された筆致が支持体の上で震えるように見える地点です。閃光は装飾ではありません。それは知覚の不安定性が可視化されたものです。

どこで止めるかを判断することも同じプロセスの一部です。紙面全体の色彩的・空間的関係が最大限の強度に達し、これ以上の筆致が構造を拡張するのではなく崩してしまうと感じたとき、私は止めます。この判断は直観的ですが、最初の筆致を生んだ観察と同じ継続的な見直しによって支えられています。

ティーポットは中古店で見つけたありふれた物でした。しかし素描はその単なる記述を超え、色が知覚を通過し、遅延へ入り、そしてアペイロンの中で繰り返し再編成される過程の探究となりました。紙の上に残るのは、筆致、残滓、色彩的緊張の場──モチーフと描く行為の遭遇の記録です。

モチーフが実践を開始させます。反復的な制作のプロセスを通して、不安定性が可視化されるのです。

Instability Made Visible: Drawing in the Field of Apeiron

 

Peter Davidson - Grape Study 2026

Pencils, coloured pencils, correction fluid on coloured paper, sm. 

The grapes study — pencil, coloured pencils, correction fluid on pastel paper, small format — may appear at first glance to be an attempt at observational accuracy. It looks like a drawing made from perception, a study of a motif held still long enough to be rendered. But this appearance is deceptive. The act of drawing from perception is the strangest event in the studio, because perception itself does not remain stable. The moment the motif enters the nervous system, it is already passing into delay, and delay is already passing into Apeiron — the open, timeless field in which sensation is reorganised by the entire history of one’s drawing and painting.

Drawing has often been aligned with art history as a method: as preparation, study, technical training, or a means of transmitting established artistic knowledge. But this alignment should not be mistaken for drawing’s essential nature. Historically, drawing was also a site of innovation. In the Renaissance, disegno referred not only to the physical act of drawing, but to invention, design, and the capacity to bring new form into being. Drawing was therefore never merely a method within art history; it was one of the conditions through which art history itself became possible.

My own practice returns to this broader sense of drawing. Drawing is not simply a technique for representing a stable motif. Through delay, residue, and the open field of Apeiron, it becomes a means of investigating how perception, memory, and material marks generate new possibilities. In this sense, drawing remains an innovative practice: not because it rejects tradition, but because it does not reduce tradition to method.

This is why the idea of realism in drawing and painting perplexes me. Realism assumes that perception is immediate, stable, and recoverable. But perception shifts as soon as it is taken up by the nervous system. It enters Apeiron with all its spatial influence, all its residues from a lifetime of observational work. The attempt to produce an accurate motif becomes an omnipresent impossibility, like trying to collect one litre of smashed mercury with tweezers. You might gather fragments, but the whole cannot be held. It could happen, but I doubt it.

Yet realism does reveal something important: a desire. A passionate attempt to jump over the moon. As a conceptual artwork, this desire is compelling. But for observational drawing, the instability of the human nervous system and the reimagined residue filtering into Apeiron make accuracy impossible. Perception cannot put Humpty Dumpty back together again. Delay fractures sensation; Apeiron reorganises it; residue interferes; memory distorts; and the motif dissolves into fragments of chromatic pressure, foveal collapse, and peripheral blur.

What drawing can do is something far more interesting. It can make visible the broken bits of residue that pass through the nervous system. It can show what re-emerges through recursive, reimagined marks as the motif travels toward the apogee of one’s own synthesis. The drawing becomes the material trace of instability — not a reconstruction of the motif, but a reconstruction of what survives its passage through delay and Apeiron.

Instability is not a problem for observational drawing. It is the only condition under which drawing becomes possible. Apeiron does not distort perception; it reveals what perception always was: a field of residues reorganised by delay. The motif begins the drawing. Instability completes it.

葡萄の習作──鉛筆、色鉛筆、修正液、パステル紙、小作品──は、一見すると観察に基づく正確な描写を試みたもののように見える。知覚から描かれた素描、静止したモチーフを十分に観察し、描き取った研究のように見える。しかし、この外観は錯覚である。知覚から描くという行為は、スタジオにおいて最も奇妙な出来事である。なぜなら、知覚そのものが安定し続けることがないからだ。モチーフが神経系に入った瞬間、それはすでに遅延へと移行し、遅延はそのままアペイロンへと移行する──アペイロンとは、感覚がこれまでの素描と絵画の全歴史によって再編成される、開かれた無時間の場である。

素描はしばしば美術史において方法として位置づけられてきた。習作、研究、技術訓練、既存の美術的知識を伝達する手段として。しかし、この位置づけを素描の本質と誤解してはならない。歴史的に見れば、素描は革新の場でもあった。ルネサンス期の disegno は、単なる描画行為ではなく、発明、構想、新たな形態を生み出す能力を意味していた。素描は美術史の内部にある方法ではなく、美術史そのものを可能にした条件の一つだったのである。

私の実践は、この広い意味での素描へと立ち戻る。素描は、安定したモチーフを表象するための技法ではない。遅延、残滓、そしてアペイロンという開かれた場を通じて、知覚・記憶・素材的な筆致がどのように新たな可能性を生成するかを探究する手段となる。この意味で、素描は依然として革新的な実践である。それは伝統を拒否するからではなく、伝統を方法へと還元しないからである。

このため、素描や絵画における写実という概念は、私にとって常に不可解である。写実は、知覚が即時的で安定し、回収可能であることを前提としている。しかし知覚は、神経系に取り込まれた瞬間に変化する。アペイロンへと入り込み、そこでは空間的影響と、長年の観察的実践から生じた残滓が作用する。正確なモチーフを再現しようとする試みは、常在的な不可能性となる。それはまるで、砕け散った水銀1リットルをピンセットで集めようとするようなものだ。断片は集められるかもしれないが、全体を保持することはできない。可能かもしれないが、私はそうは思わない。

しかし写実は重要なことを示している。それは「欲望」である。月を飛び越えようとする情熱的な試みだ。概念的な作品として、この欲望は魅力的である。しかし観察素描においては、人間の神経系の不安定性と、アペイロンへと流れ込む再想起された残滓によって、正確さは不可能となる。知覚はハンプティ・ダンプティを元に戻すことができない。遅延は感覚を断片化し、アペイロンはそれを再編成し、残滓は干渉し、記憶は歪み、モチーフは色圧、中心視の崩壊、周辺視のぼやけといった断片へと溶解する。

素描ができることは、はるかに興味深い。神経系を通過する残滓の破片を可視化することができる。モチーフが自身の統合の頂点へと向かう過程で、再帰的に再想起された筆致として何が再出現するのかを示すことができる。素描は不安定性の物質的痕跡となる──モチーフの再構成ではなく、遅延とアペイロンを通過した後に生き残ったものの再構成である。

不安定性は観察素描にとって問題ではない。それは素描が可能となる唯一の条件である。アペイロンは知覚を歪めるのではない。知覚が本来そうであったもの──遅延によって再編成された残滓の場──を明らかにするのである。モチーフが素描を始め、不安定性がそれを完成させる。

The Demands of Apeiron

 

Peter Davidson — Grapes on Green and Yellow, 2026

Oil, wax, and acrylic on wooden panel, 18 × 14 cm

Apeiron does not simply receive perception. It demands a response. The motif begins as a first contact: the moment it enters perception. This contact is not passive. It arrives with force, with chromatic pressure, with the instability of sensation. The fruit is not an object to be copied; it is the initial event that activates perception.

From this first contact, perception enters delay—the open field I call Apeiron. In Apeiron, sensation does not resolve itself immediately. It expands, fragments, intensifies, and reorganises. Edges soften or sharpen, colours advance or recede, and the motif begins to behave less like an external object and more like an internal field of activity.

Within this field, residue becomes active. Residue is not memory in the conventional sense. It is the accumulated trace of earlier sensations, earlier marks, and earlier encounters with colour and form. Residue alters what can be perceived next. It is both the history of the work and the condition through which the next mark becomes possible.

From this interplay of perception, delay, and residue, a demand emerges. Apeiron requires a particular mark, colour, pressure, or decision. This demand is not conceptual. It is perceptual. It arises from the internal dynamics of the work as it unfolds. The painter does not impose a solution; the work insists upon one.

This insistence leads toward the aesthetic apogee: the point at which the work reaches its highest tension and its most complete internal coherence. At this point, further marking would weaken it. The demand has been met. A clear example appears in Grapes on Green and Yellow. In the background, the stem casts a shadow slanting to the right, while two grapes directly below it cast their shadows to the left. I did not notice this until the painting was finished. Conventional observational correctness would treat this as an inconsistency, something to correct. But within delay—within Apeiron—the image was working perfectly. The demands of the painting outweighed the conventions of observational correctness. If the image coheres within Apeiron, then inherited rules of correctness have no authority over the synthesis that emerges from delay.

Cessation is not a matter of stopping. It is a matter of recognising that the work has reached the limit of what it can bear. The painter stops because Apeiron no longer requires anything further.

Cézanne remains a useful historical comparison here—not as a dominating figure, but as someone who also worked from sensation rather than copying. His practice shows how perception destabilises the motif. My own practice extends this instability into the open field of Apeiron, where the work becomes governed from within by its own demands.

The motif begins the painting. Apeiron demands its completion.

アペイロンの要請

アペイロンは単に知覚を受け取るだけではない。応答を要求する。 モチーフは最初の接触として始まる──知覚の内部へと入り込む瞬間である。この接触は受動的ではない。力を伴い、色彩的な圧力を伴い、感覚の不安定さを伴って到来する。果物は模写すべき対象ではなく、知覚を作動させる最初の出来事である。

この最初の接触から、知覚は遅延へと入る──私がアペイロンと呼ぶ開かれた場である。アペイロンの内部では、感覚はすぐには解決されない。拡張し、断片化し、強まり、再編成される。輪郭は柔らいだり鋭くなったりし、色は前進したり後退したりし、モチーフは外在的な対象というよりも、内部で活動する場として振る舞い始める。

この場の内部で、残滓が活性化する。残滓は通常の意味での記憶ではない。それは、これまでの感覚、これまでの筆致、これまでの色や形との遭遇が蓄積した痕跡である。残滓は次に知覚され得るものを変化させる。それは作品の歴史であると同時に、次の筆致が可能になる条件でもある。

知覚、遅延、残滓の相互作用から、ひとつの「要請」が立ち上がる。 アペイロンは特定の筆致、色、圧、あるいは決定を要求する。この要請は概念的なものではない。知覚的なものである。作品が展開する内部力学から生じる。画家が解決を押しつけるのではなく、作品そのものが解決を要求する。

この要請は美的アポジーへと向かう──作品が最大の緊張と最も完全な内部的整合性に達する地点である。この地点では、さらに筆を加えることは作品を弱めてしまう。要請は満たされたのである。

その明確な例が《グリーンとイエローの上の葡萄》に現れている。背景では、茎が右へ斜めに影を落としている一方で、その直下にある二つの葡萄は左へ影を落としている。私はこのことに、作品を描き終えるまで気づかなかった。通常の観察的正確さであれば、これは不整合として修正すべき点と見なされるだろう。しかし遅延──アペイロン──の内部では、このイメージは完全に機能していた。作品の要請は観察的正確さの慣習を上回っていたのである。イメージがアペイロンの内部で整合しているならば、遺された正確さの規則は、遅延から生じる統合に対して権威を持たない。

停止とは、単に筆を止めることではない。作品が耐え得る限界に達したことを認識することである。画家が止めるのは、アペイロンがそれ以上何も要求しなくなったからである。

セザンヌはここで有用な歴史的比較対象として残る──支配的な人物としてではなく、模写ではなく感覚から制作した画家としてである。彼の実践は、知覚がモチーフを不安定化させることを示している。私自身の実践は、この不安定性をアペイロンという開かれた場へと拡張し、作品が内部からその要請によって統御される地点へと向かう。

モチーフは絵画を始動させる。アペイロンはその完成を要求する。

Apeiron, Perception, and the Limits of Art History and AI

 

Peter Davidson — Grapes, 2026

Pastel and carbon pencil on coloured paper, 16 × 24 cm

This drawing of grapes is the practical field in which Apeiron becomes visible.

Apeiron is a recursive praxis. The fruit is not simply an object to be copied; it is the starting point of a lived encounter with perception. That encounter is taken up by the body and nervous system, where it is re-imagined through delay — the open field I call Apeiron. Here, perception meets residue: the accumulated traces of earlier sensations, memories, and marks. This residue is the charged medium through which the re-imagined image becomes pastel marks. Each new mark becomes residue in its turn, altering the field and changing what can be perceived next.

A drawing therefore does not move simply from fruit to image. It unfolds through a recursive field in which perception, delay, residue, and material mark continually generate one another. The work emerges from perception while perception is still realising itself.

This is where the limits of art history and AI become visible.

I have been reading a great deal about how AI might influence the fine arts, and the discussion often overlooks a fundamental distinction. When AI — and art history in its usual retrospective mode — speaks about perception in painting or drawing, it does so through what perception has already produced. Its view is retrospective. It looks back at the image, the completed mark, and the work that has emerged.

Artists such as Cézanne, and those of us who work from within perception, encounter something different. We work while perception is still unfolding. The difference is one of proximity. Art history interprets completed images, documents, and practices. AI analyses images and data. Neither, through these activities alone, can recover the lived process through which a particular mark becomes possible.

The question is not simply whether AI can produce an image. It is whether producing an image is equivalent to participating in perception as it unfolds.

Without a new encounter with perception, the production of an image does not, in itself, constitute new art.

Painters such as Cézanne, and I myself, do not begin from theory. We work from perception, which is realised in Apeiron: an open field in which sensation, memory, residue, and material marks continually reorganise one another as the work emerges. Apeiron is not merely a concept applied to a drawing afterwards. It names a process through which the drawing becomes possible, although what that process reveals cannot be known in advance.

I will test this again in a pastel drawing of fruit. The fruit will not be treated as a fixed object to copy, nor will the drawing be required to confirm my understanding of Apeiron. I will work from perception, allowing each pastel mark to alter what can next be seen: an edge may soften, a colour may advance or recede, and the accumulated residue will become part of the next act of perception.

The drawing will develop through this process, but its outcome cannot be predetermined. It may support my understanding of Apeiron, transform it, or reveal that I have misunderstood something fundamental. If the drawing does not fit the theory, I must be prepared to question the theory. The relationship works in both directions: Apeiron informs the practice, but the practice must also remain capable of changing, challenging, or disproving Apeiron.

The drawing is therefore not simply an illustration of an idea. It is a means of discovering what the idea can and cannot explain.

AI, like the retrospective methods of art history, has limits here. It can analyse what perception has produced and generate images from existing material, but this does not establish that it participates in lived, embodied perception. Whether machines might eventually acquire something comparable remains an open question. For now, the distinction between producing an image and participating in the lived process of its emergence remains fundamental to my argument.

New art arises from perception: from delay, residue, and the body moving through the world. My claim is that this process cannot be reduced to the analysis or production of images. Apeiron names my attempt to understand this unfolding, but the practice itself must remain open to whatever the drawing reveals, even when that revelation contradicts the theory.

Only through this openness can the drawing become a genuine inquiry into perception. Apeiron must remain answerable to the work itself: not a theory that dictates what the drawing should reveal, but a way of thinking whose validity is continually tested by the act of drawing.

アペイロン、知覚、そして美術史とAIの限界

短いエッセイ

ピーター・デイヴィッドソン《葡萄》2026年

パステルとカーボン鉛筆／色紙　16 × 24 cm

この葡萄のドローイングは、アペイロンが可視化される実践的な場である。

アペイロンは再帰的なプラクシスである。果物は単なる模写の対象ではなく、まず「生きられた知覚」との最初の接触として現れる。その接触は身体と神経系に取り込まれ、遅延のなかで再想像される──私がアペイロンと呼ぶ開かれた場である。ここで知覚は残滓と出会う。残滓とは、これまでの感覚、記憶、痕跡が蓄積した層であり、再想像されたイメージがパステルの筆致へと変換される媒質となる。新たな筆致はそれ自体が残滓となり、場を変化させ、次に知覚できるものを変えていく。

したがって、ドローイングは単に果物からイメージへと移行するのではない。知覚、遅延、残滓、そして物質的な筆致が互いを生成し続ける再帰的な場を通って展開する。作品は、知覚がまだ生成されつつあるその最中から立ち上がる。

ここに、美術史とAIの限界が現れる。

近年、AIが美術に与える影響について多く読んできたが、議論はしばしば重要な区別を見落としている。AI──そして美術史が通常採用する回顧的な方法──が絵画やドローイングにおける知覚について語るとき、それはすでに知覚が産出したものを通して語る。視点は常に「後ろ向き」である。完成したイメージ、確定した筆致、すでに現れた作品を参照する。

セザンヌのような画家、そして知覚の内部から制作する私たちは、まったく異なるものに向き合う。私たちは知覚がまだ展開している最中に立ち会っている。その違いは「近接性」の違いである。美術史は完成したイメージや資料、実践を解釈する。AIは画像やデータを分析する。しかし、それらの活動だけでは、ある筆致が可能になる「生きられた過程」を回復することはできない。

問題は、AIがイメージを生成できるかどうかではない。イメージを生成することが、知覚の展開に参加することと同じなのかどうかである。

新たな知覚との遭遇がなければ、イメージの生成は新しい芸術を構成しない。

セザンヌのような画家、そして私自身は、理論から始めるのではない。知覚から始める。知覚はアペイロンのなかで実現される──感覚、記憶、残滓、物質的な筆致が作品の生成とともに互いを再編成し続ける開かれた場である。アペイロンは後から作品に適用される概念ではない。ドローイングが可能になる過程そのものを指し示すが、その過程が何を明らかにするかは事前には分からない。

私は再び果物のパステルドローイングでこれを試すつもりだ。果物は固定された対象として扱われず、ドローイングはアペイロンの理解を証明するために描かれるのでもない。知覚から描き始め、各筆致が次に見えるものを変えていくことを許容する──輪郭が柔らぐかもしれない、色が前に出たり後ろに退いたりするかもしれない、そして蓄積した残滓が次の知覚行為の一部となる。

ドローイングはこの過程を通って展開するが、その結果は決してあらかじめ決まらない。アペイロンの理解を支持するかもしれないし、変容させるかもしれないし、根本的な誤解を暴くかもしれない。もしドローイングが理論に合致しなければ、理論の方を問い直さなければならない。関係は双方向である。アペイロンは制作を導くが、制作はアペイロンを変え、挑み、あるいは否定する可能性を常に持っている。

したがって、ドローイングは単なる概念の挿絵ではない。概念が何を説明でき、何を説明できないかを発見する手段である。

AIは、美術史の回顧的な方法と同様に、ここに限界を持つ。AIは知覚が産出したものを分析し、既存の素材からイメージを生成することはできる。しかし、それは「生きられた知覚」に参加していることを意味しない。将来的に機械がそれに近いものを獲得する可能性は開かれているが、現時点では、イメージを生成することと、その生成の生きられた過程に参加することの違いは、私の議論にとって決定的である。

新しい芸術は知覚から生まれる──遅延、残滓、そして世界を動く身体から生まれる。私の主張は、この過程が画像の分析や生成に還元できないということである。アペイロンはこの展開を理解しようとする試みだが、制作が何を明らかにするかに常に開かれていなければならない。たとえその明らかにするものが理論と矛盾していても。

この開かれた姿勢によってのみ、ドローイングは知覚への真正な探究となる。アペイロンは作品に従属させられるべきであり、作品が何を示すかによってその妥当性が常に試され続けなければならない