Artistic creation cannot be fully explained by biological necessity or mechanical determinism. Biology can tell us important things about human life — about embodiment, perception, memory, sensation, and survival — but it does not, by itself, explain the unpredictable and deeply individual character of aesthetic experience.
This is one reason I find existentialism useful. It begins from the fact that we find ourselves in circumstances that we did not choose, but that we can interpret those circumstances, respond to them, and open possibilities within them.
The concepts of scintillation and the Apeiron have developed through my writing and studio practice at Two Dogs Art Space in Akashi. I use these terms as part of my own developing vocabulary for thinking about painting, perception, and artistic freedom.
Scintillation describes a particular kind of aesthetic attraction. The Apeiron describes an open and unbounded field of perceptual, mnemonic, and formal possibility.
Scintillation
Scintillation is a sudden intensification of aesthetic attention.
It can happen when a colour suddenly becomes more vivid, when an edge acquires an unexpected force, when an interval between two forms begins to matter, or when something in the developing image seems to call for attention.
It often happens before I can explain why.
The attraction is not necessarily logical. I may not know what I am responding to, or where the response will lead. Something simply becomes more present.
This does not mean that scintillation is uncaused. It can be shaped by the body, memory, perception, experience, artistic training, cultural history, and the physical circumstances of the work. But those conditions do not necessarily reveal themselves at the moment of attraction.
What scintillates for one person may mean very little to another.
This is important because it means that aesthetic attention cannot easily be reduced to a universal mechanism. It belongs to a particular perceiving body, at a particular moment, in relation to a particular situation.
For me, scintillation is therefore not a reflex or an instinct. It is a moment in which a possibility becomes perceptually available.
The Apeiron
Apeiron is an ancient Greek word usually translated as the boundless, the unlimited, or the indefinite. It is particularly associated with Anaximander, the early Greek philosopher.
I am not using the word here as an attempt to reconstruct Anaximander's philosophy.
My use of the Apeiron has developed through my own writing and studio practice at Two Dogs Art Space. I use the ancient word as a starting point for a contemporary artistic idea.
For me, the Apeiron names an unbounded field of perception, memory, sensation, possibility, and unrealised form.
It is not a mystical substance. It is not a force acting upon the artist. Nor am I proposing it as a scientific or neurological entity.
It is a way of describing what seems to surround the act of making.
A mark can remind me of another mark. A colour can change because of the colour beside it. An accidental distortion can suggest a structure that I had not intended. Something I thought I had abandoned can remain present in the work and become important later.
Possibilities do not simply disappear when they are rejected.
They can remain as traces.
The Apeiron is the name I give to this open field of relations in which perception, memory, accident, intention, and possibility continually interact.
It is not a method for making art. It does not tell me what to do next.
It describes the space in which the next possibility can appear.
Freedom and Formation
When scintillation and the Apeiron come together, something interesting happens.
The work can begin to move beyond conscious planning.
I may start with an intention, but the painting can lead somewhere that I did not foresee. A resolution may only become visible through the act of making.
Sometimes a decision feels right without being something I could have logically deduced beforehand.
The decision becomes convincing because of the relationship it creates within the work.
This is where I find the idea of existential freedom useful.
Freedom does not mean being free from everything that has made us what we are. We are embodied. We have histories. We inherit traditions. We work with materials that resist us. We live within social and cultural circumstances.
The painter cannot simply escape these conditions.
Freedom is therefore not the absence of conditions. It is the possibility of responding to conditions differently.
The situation is given, but its meaning is not necessarily fixed.
This is one point at which my thinking comes into contact with Sartre's understanding of freedom and artistic creation. Sartre's writing on literature considers the relationship between the artist, the work, and the freedom of the person who encounters it.
I am not suggesting that Sartre formulated the concepts of scintillation or the Apeiron. He did not.
Rather, existentialism gives me a philosophical language through which I can think about the artist as someone who works within a situation without being completely determined by it.
Lineage and Transformation
No artist begins from nowhere.
We inherit images, techniques, conventions, materials, histories, and ways of seeing. Cubism, Dada, abstraction, and the many other movements of modern and contemporary art did not simply escape the past. They changed what could be done with what had been inherited.
That distinction matters.
An artist does not have to become completely independent of tradition in order to be free.
Freedom can also mean changing the meaning of what has been inherited.
A figure can be distorted. Perspective can be abandoned. Colour can be pursued for reasons that have nothing to do with practical survival. A familiar form can be interrupted and made strange.
Human beings are biological organisms, but artistic activity is not exhausted by biological necessity.
We remember.
We imagine.
We invent symbols.
We make things that have no obvious practical use.
We give meaning to accidents.
We return to things that have already happened and understand them differently.
This is part of what makes artistic practice so difficult to reduce to mechanism.
Perception Becoming Trace
Painting is not simply the copying of what has been seen.
Perception becomes something else when it enters the material world.
The artist selects, alters, intensifies, suppresses, rearranges, and transforms. A visual experience becomes a mark, a colour, a surface, an interval, a structure.
Perception becomes trace.
Within this process, scintillation describes those moments when attention is suddenly drawn towards a possible relation.
The Apeiron describes the open field in which that possibility exists alongside memory, sensation, previous decisions, accidents, and unrealised forms.
Existential freedom describes the capacity to respond.
None of these three things exists in isolation.
They meet in the act of making.
The image is not simply produced by biology. Nor is it produced by unlimited choice.
It emerges from the meeting of an embodied person, a material situation, a history of images and ideas, accumulated traces, and the possibility of doing something otherwise.
Artistic creation is therefore perception becoming trace: intensified through scintillation, opened by the Apeiron, and realised through situated freedom.
A Note on the Apeiron
My use of Apeiron is a contemporary artistic adaptation of an ancient philosophical term associated with Anaximander. I do not claim that the meaning developed here is Anaximander's own theory.
The concept has developed through my own painting, writing, and studio research at Two Dogs Art Space in Akashi. Earlier discussions of Apeiron, scintillation, delay, perception, and the image can be found in my Two Dogs Art Space writings, including The Architecture of Perception, The Architecture of Delay, Apeiron (Delay), the Event, and the Scintillating Image, and Beyond Observation: Painting and Drawing from Apeiron.
These writings form part of an ongoing artistic investigation rather than an attempt to establish a scientific theory.
The connection to Anaximander is a point of philosophical departure.
What I am interested in is what the idea of the boundless might become when brought into the space of painting.
美的創造は、生物学的必然性や機械的決定論だけでは説明できない
芸術的な創造は、生物学的な必然性や機械的な決定論だけでは十分に説明できません。 生物学は、身体性、知覚、記憶、感覚、生存といった人間の重要な側面を教えてくれます。しかし、それだけでは、美的経験の予測不可能で深く個人的な性質を説明することはできません。
この理由のひとつとして、私は 実存主義を有用だと感じています。 実存主義は、私たちが選ばずに与えられた状況の中に投げ込まれているという事実から出発します。しかし、その状況を解釈し、応答し、その中に新たな可能性を開くことができる、と考えます。
シンチレーション（scintillation） と アペイロン（Apeiron） という概念は、私が明石の Two Dogs Art Space での制作と文章の中で発展させてきたものです。これらは、絵画、知覚、芸術的自由について考えるための、私自身の語彙の一部です。
シンチレーションは、特定の美的な惹きつけを示す言葉です。 アペイロンは、知覚・記憶・形態的可能性が開かれた、境界のない場を示します。
シンチレーション
シンチレーションとは、美的注意が突然強まる瞬間です。
色が急に鮮やかに見えるとき。 輪郭が予期せぬ力を帯びるとき。 二つの形のあいだの間隔が意味を持ち始めるとき。 制作中のイメージのどこかが、突然「呼びかけてくる」ように感じられるとき。
それはしばしば、理由を説明できる前に起こります。
その惹きつけは必ずしも論理的ではありません。 自分が何に反応しているのか、どこへ向かうのか分からないこともあります。 ただ、あるものが強く「現前」してくるのです。
だからといって、シンチレーションが原因のない現象というわけではありません。 身体、記憶、知覚、経験、訓練、文化的背景、制作環境など、さまざまな条件が影響している可能性があります。しかし、それらの条件は、その瞬間には必ずしも姿を見せません。
ある人にとって強く輝くものが、別の人にはほとんど意味を持たないこともあります。
これは、美的注意が普遍的なメカニズムに還元できないことを示しています。 それは、特定の身体が、特定の瞬間に、特定の状況との関係の中で生じるものです。
私にとってシンチレーションは、反射でも本能でもありません。 それは「ある可能性が知覚的に立ち上がる瞬間」です。
アペイロン
アペイロンは、古代ギリシア語で「無限」「未定」「境界なきもの」と訳される言葉です。初期ギリシア哲学者アナクシマンドロスと関連づけられます。
しかし私は、アナクシマンドロスの哲学を再構築しようとしてこの言葉を使っているわけではありません。
私のアペイロンの概念は、Two Dogs Art Space での制作と文章の中で発展してきたものです。古代の言葉を、現代の芸術的なアイデアの出発点として用いています。
私にとってアペイロンは、知覚、記憶、感覚、可能性、そして未実現の形態が開かれた「境界なき場」を指します。
それは神秘的な物質ではありません。 芸術家に作用する力でもありません。 科学的・神経学的な実体を示すものでもありません。
それは、制作行為を取り囲む「開かれた関係の場」を記述するための言葉です。
ある線が別の線を思い出させる。 ある色が隣の色によって変化する。 偶然の歪みが、意図していなかった構造を示唆する。 捨てたと思っていた要素が、後になって重要になる。
拒絶された可能性は、完全に消えるわけではありません。 痕跡として残り続けることがあります。
アペイロンとは、知覚・記憶・偶然・意図・可能性が絶えず相互作用する、この開かれた場のことです。
それは制作の方法ではありません。 次に何をすべきかを教えてくれるものでもありません。
「次の可能性が現れる空間」を記述するための言葉です。
自由と形成
シンチレーションとアペイロンが結びつくと、興味深いことが起こります。
作品が、意識的な計画を越えて動き始めるのです。
意図を持って始めても、絵が予期しなかった方向へ進むことがあります。 解決が、制作の行為そのものを通して初めて見えてくることもあります。
論理的に導けなかった判断が、作品内部の関係によって「正しい」と感じられることがあります。
ここで私は、実存的自由という考え方を有用だと感じます。
自由とは、私たちを形作ってきたすべてから解放されることではありません。 私たちは身体を持ち、歴史を持ち、伝統を受け継ぎ、抵抗する素材と向き合い、社会的・文化的状況の中で生きています。
画家は、これらの条件から逃れることはできません。
だから自由とは、「条件がないこと」ではなく、 条件に対して異なる応答をする可能性のことです。
状況は与えられていますが、その意味は固定されていません。
この点で、私の考えはサルトルの芸術観と接点を持ちます。 サルトルは文学について、作者・作品・読者の自由の関係を論じました。
もちろん、サルトルがシンチレーションやアペイロンを考えたわけではありません。
しかし実存主義は、「状況の中で、完全には決定されない存在としての芸術家」を考えるための言語を与えてくれます。
系譜と変容
芸術家は、何もないところから始めるわけではありません。
私たちは、イメージ、技法、慣習、素材、歴史、見方を受け継ぎます。 キュビスム、ダダ、抽象、その他の多くの運動は、過去から「逃れた」のではなく、 受け継いだものの意味を変えたのです。
この区別は重要です。
芸術家は、伝統から完全に独立する必要はありません。 自由とは、受け継いだものの意味を変えることでもあるのです。
人間は生物学的存在ですが、芸術的活動は生物学的必然性だけでは説明できません。
私たちは記憶し、想像し、象徴を生み、実用性のないものを作り、偶然に意味を与え、過去を再解釈します。
これこそが、芸術実践が単なるメカニズムに還元できない理由の一つです。
知覚が痕跡になる
絵画とは、見たものをそのまま写す行為ではありません。
知覚は、素材の世界に入るとき、別のものへと変化します。
芸術家は、選択し、変形し、強調し、抑制し、再配置し、変容させます。 視覚経験は、線、色、面、間隔、構造へと変わります。
知覚は痕跡になるのです。
この過程の中で、シンチレーションは「関係の可能性が突然立ち上がる瞬間」を示します。 アペイロンは、その可能性が、記憶・感覚・過去の判断・偶然・未実現の形態とともに存在する開かれた場を示します。 実存的自由は、それに応答する能力を示します。
これら三つは、孤立して存在するのではありません。 制作の行為の中で出会います。
イメージは、生物学によって生産されるのでも、無制限の選択によって生産されるのでもありません。
それは、身体を持つ人間、素材的状況、イメージと思想の歴史、蓄積された痕跡、そして「別の仕方で行う可能性」との出会いから生まれます。
芸術的創造とは、 シンチレーションによって強まり、アペイロンによって開かれ、状況的自由によって実現される、知覚が痕跡へと変わる過程なのです。
アペイロンについての注記
私のアペイロンの使用は、アナクシマンドロスに関連する古代哲学用語の現代的・芸術的な応用です。ここで展開した意味が、アナクシマンドロス自身の理論であると主張するものではありません。
この概念は、明石の Two Dogs Art Space における私自身の絵画、文章、スタジオリサーチの中で発展してきました。アペイロン、シンチレーション、遅延、知覚、イメージについての以前の議論は、 『知覚のアーキテクチャ』 『遅延のアーキテクチャ』 『Apeiron (Delay), the Event, and the Scintillating Image』 『Beyond Observation: Painting and Drawing from Apeiron』 などに記されています。
これらの文章は、科学的理論を確立する試みではなく、継続的な芸術的探究の一部です。
私が関心を持つのは、「境界なきもの」という古代の概念が、絵画の空間に持ち込まれたとき、どのような新しい意味を生みうるのかという点です。
