Peter Davidson — Chocolate Cake Study
In drawing this chocolate cake, I realised afterwards how little sustained observation of the reference image had contributed to its construction. I looked at the digital image initially and returned to it only occasionally. Observation served as a point of departure, but the drawing developed mainly through sensation, memory, and the emerging relationships between marks.
The strongest sensation during the process was what I call scintillation: an intensity that prompted rapid decisions about colour, tone, texture, and mark-making. Rather than asking how accurately I could represent the cake, I found myself responding to its desirability as I remembered experiencing it. The cake had been delicious, and I wanted something of that encounter to become active in the drawing.
Colours, tones, and textures were selected according to their resonance with the memory of the first bite rather than their fidelity to the reference image. The dense dark passages, pale zigzag bands, and scattered fields of colour emerged through this process. Decisions often arrived before I could fully articulate why a particular colour, tone, or mark felt appropriate.
Speed was important. I wanted to work while the intensity of this particular encounter remained vivid, before its specificity became less distinct within the broader field of memories accumulated from similar experiences. Working quickly helped me remain responsive to that sensation.
Yet the drawing was not simply the transfer of a remembered experience onto paper. As marks appeared, I perceived them again. Their relationships prompted further responses and changed how the drawing developed. Remembered taste informed the marks, while the marks, in turn, altered the experience through which I continued working.
The resulting image is, for me, more than an illustration of a chocolate cake. It is a transformation of a recent sensory encounter. Observation initiated the process, but remembered taste and the developing image increasingly directed it together. I understand this as Apeironic synthesis: my term for a process through which scintillation, perceptual residues, sensory associations, and emerging material relationships become organised into aesthetic form.
Drawing becomes less an act of reproducing appearance and more a way of allowing lived experience to acquire visual form—and to change through that process.
Art Note: Painting Experience from the Inside Out
I write these notes as an artist, after drawing or painting. They are not academic papers but reflections arising from practice. They remain provisional: there may be wrong turns, revisions, and discoveries as my understanding develops. That openness is part of how this blog operates.
When I describe my drawing as working from the inside out, I mean something more specific than working from memory or wanting a painting to evoke an experience. Those descriptions do not appear to fully account for the process I encounter in my own practice.
Bonnard’s work has been discussed in relation to remembered encounters, while Thiebaud associated his food paintings with remembered experience and nostalgia. These are meaningful connections, but those descriptions alone do not fully articulate the process I am trying to describe in my own praxis. This is a distinction between accounts of making, not a claim to know the full internal experience of either artist.
For me, the distinction is between experience as something a painting seeks to evoke and experience as an unfolding activity through which the painting comes into being. These can overlap, but they are not interchangeable.
In Chocolate Cake Study, the cake and its photograph initiated the encounter, but neither remained the governing authority. Remembered taste, pleasure, colour, and texture became active within what I call Apeiron. As the drawing developed, its marks were perceived again. They altered the relationships within the image and prompted further sensations and decisions.
The image did not simply receive an experience already formed elsewhere. Making the image changed the experience through which it continued to develop.
This is what I mean by working from the inside out. It is not the transfer of a finished inner image onto paper, nor does it exclude the external world. It is a recursive process: sensation, memory, material action, and renewed perception continually act upon and reorganise one another. Apeiron is my term for the open field in which I experience these relationships becoming active.
My affinity with Cézanne concerns his emphasis on the realisation of sensation. In his letters, he describes the difficulty of achieving in painting the intensity that built within his senses. I recognise a connection with my own concerns here, without suggesting that our methods, circumstances, or understandings are identical.
The distinction I wish to preserve is therefore not simply between observation and memory. It concerns how an image is generated. Wanting a painting to evoke an experience identifies an intention; describing how experience recursively becomes pictorial form identifies a process.
It is this process, as I encounter it in my own drawing and painting, that I seek to articulate through Apeiron and scintillation.
チョコレートケーキ習作
ペン、インク、水彩、鉛筆、フェルトペン、修正液／紙 14 cm（縦）× 12 cm（横）
このチョコレートケーキを描いたとき、あとになって振り返ると、参照画像を継続的に観察したことが、その構築にほとんど寄与していなかったことに気づいた。デジタル画像は最初に見ただけで、その後は時折確認する程度だった。観察は出発点として機能したが、ドローイングは主として感覚、記憶、そして描かれた痕跡同士の関係の生成を通して展開していった。
制作中に最も強く感じられた感覚は、私が「シンチレーション（scintillation）」と呼ぶものである。それは色彩、明暗、質感、そしてマーク・メイキングに関する素早い判断を促す強度であった。私はどれほど正確にケーキを再現できるかを問うのではなく、むしろ自らがそれを味わったときの望ましさや魅力に応答していることに気づいた。そのケーキは実に美味しく、私はその体験の何かをドローイングのなかで生きたものとして働かせたいと考えた。
色彩、明暗、そして質感は、参照画像への忠実さよりも、最初の一口の記憶との共鳴によって選択された。濃密な暗色部分、淡いジグザグ状の帯、そして散在する色彩の領域は、そのような過程から生まれてきた。判断はしばしば、その色や明暗やマークがなぜ適切に感じられるのかを十分に言語化するより先に現れた。
速度も重要だった。私は、この特定の体験の強度が鮮明なうちに制作したかった。同種の経験が積み重なるより広い記憶の場へと吸収され、その固有性が薄れてしまう前にである。素早く制作することは、その感覚に応答し続ける助けとなった。
しかし、このドローイングは単に記憶された体験を紙の上へ移し替えたものではない。マークが現れるたびに、私はそれらを再び知覚した。それらの関係はさらなる応答を引き起こし、ドローイングの発展の仕方を変化させた。記憶された味覚がマークを方向づける一方で、そのマークは私が制作を続けるなかで経験する感覚そのものを変化させたのである。
私にとって、この作品は単なるチョコレートケーキの図解以上のものである。それは最近の感覚的体験の変容である。観察が過程を開始させたが、記憶された味覚と発展し続けるイメージが、次第に共同でその方向を導くようになった。私はこれを「アペイロン的総合（Apeironic synthesis）」と理解している。すなわち、シンチレーション、知覚的残滓、感覚的連想、そして形成されつつある物質的関係が、美的形式へと組織化される過程を指す私自身の用語である。
ドローイングとは、見た目を再現する行為というよりも、生きられた経験が視覚的形式を獲得し、その過程を通して変化していくことを可能にする営みなのである。
アートノート：内側から外側へ描くこと
私はこれらのノートを、ドローイングや絵画制作の後に、一人の作家として書いている。これは学術論文ではなく、実践から生じた省察である。そこには誤った方向性や修正、そして新たな発見が含まれるかもしれない。その開かれた姿勢そのものが、このブログの在り方の一部である。
私が自身のドローイングを「内側から外側へ働くもの」と表現するとき、それは単に記憶から描くことや、作品によって何らかの経験を喚起したいということ以上の意味を持つ。そのような説明だけでは、経験がどのようにイメージ制作のなかで能動化されるのかを十分には説明できないように思われる。
ボナールの作品は、しばしば記憶された出会いとの関係から論じられてきた。また、ティーボーは自身の食べ物の絵画を、記憶された経験やノスタルジアと結びつけて語っている。これらは重要な接点である。しかし、そのような説明だけでは、私が自らの実践を通して記述しようとしている過程を十分に明らかにはしていない。これは制作の説明の違いについて述べているのであり、両者の内的経験を知っていると主張するものではない。
私にとって重要なのは、絵画が喚起しようとする対象としての経験と、絵画そのものが成立する過程として展開する経験とを区別することである。両者は重なり合うこともあるが、同一ではない。
《チョコレートケーキ習作》では、ケーキとその写真が出発点となった。しかし、それらは最後まで制作を支配する権威ではなかった。記憶された味覚、快楽、色彩、質感は、私が「アペイロン」と呼ぶ場のなかで能動化された。ドローイングが展開するにつれ、そのマークは再び知覚された。そして、それらは画面内部の関係を変化させ、新たな感覚や判断を促した。
イメージは、どこか別の場所で既に形成されていた経験を単に受け取ったわけではない。むしろ、イメージを作るという行為そのものが、それが発展し続ける経験のあり方を変化させたのである。
これが私のいう「内側から外側へ働くこと」である。それは完成された内的イメージを紙の上へ転写することではなく、また外界を排除するものでもない。それは感覚、記憶、物質的行為、そして更新される知覚が絶えず互いに作用し、再編成し続ける再帰的過程である。アペイロンとは、私がこれらの関係が活性化していくのを経験する、その開かれた場を指す用語である。
私がセザンヌに親近感を抱くのは、彼が感覚の実現を重視した点にある。彼は書簡のなかで、自らの感覚のうちに高まる強度を絵画のなかで達成することの困難さについて繰り返し語っている。私もまたこの問題に共感するが、それは私たちの方法や状況、理解が同一であることを意味するものではない。
したがって、私が保持したい区別は、単に観察と記憶のあいだの区別ではない。それはイメージがどのように生成されるのかという問題である。絵画によって経験を喚起したいと望むことは一つの意図を示す。しかし、経験がどのように再帰的に絵画的形式となるのかを記述することは、一つの過程を示す。
私自身のドローイングと絵画の実践のなかで経験されるこの過程こそが、私がアペイロンとシンチレーションという概念を通して明らかにしようとしているものである。
